Together with other influential psychologists of the time, Wundt considers internal data as absolute evidence, grounding psychology on this assumption. In opposition to his former mentor, Külpe aims at rehabilitating Kant’s transcendental aesthetics. Yet, he is far from embracing transcendentalism and rejects Kant’s skepticism as to the possibility of a scientific psychology. Nevertheless, Külpe believes that Kant is right in considering internal data as unreliable for scientific purposes: accordingly, psychology should share the same scientific methodology of any other science.

Cet essai propose une esthétique contextualiste de l'œuvre d'art dont le paradigme est rapporté à l'artefact de design. Présenté en deux livres, il maintient la spécificité de chacun des deux domaines tout en rendant compte de leurs échanges incessants depuis le début des avant-gardes historiques. Le premier livre débute par l'examen de neuf monochromes rouges imaginés par Arthur Danto et fait appel à l'esthétique institutionnelle de Howard Becker pour les placer dans le contexte des pratiques curatoriales et du (...) "monde de l'art". Une approche contextualiste et empirique qui croise des références à la théorie de l'art, à la théorie institutionnelle, au constructivisme et à la systémique. Le second livre déplace le propos dans le domaine du design. L'histoire de l'art moderne et contemporain et l'histoire du design sont inséparables. Il s'agit pourtant pour chaque discipline de retirer de l'autre ce qui lui revient en propre. L'artefact de design existe dans le contexte de la société et non de l'art et il est lui-même le répartiteur d'un contexte au travers du projet. (shrink)

Au-delà des fonctions cathartique, morale et épistémique que véhiculent les représentations esthétiques de la catastrophe, quel sens cette esthétique prend-elle pour l’être humain ? Et de quelle manière éclaire-t-elle l’expérience que fait l’être humain du monde ? Ces questions exigent l’examen des fondements phénoménologiques de l’expérience esthétique de la catastrophe. Nous examinons la distinction entre l’expérience esthétique classique du beau et l’expérience du sublime théorisée par Edmund Burke, qui questionne la dimension morale de l’art et repense ses (...) composantes émotionnelles. En éclairant l’aspect intimement anthropologique de l’expérience esthétique de la catastrophe, nous soutenons que cette dernière nous en apprend davantage sur le sujet humain plutôt que sur les catastrophes elles-mêmes. L’esthétique de la catastrophe répondrait à la détresse d’une humanité anxieuse de ne pouvoir repousser toutes éventualités catastrophiques en tenant métaphoriquement ces dernières à distance. (shrink)

Inspired by the text entitled The Collapse of the Fact/Value Dichotomy and Other Essays (2004) of Hilary Putnam, the volume focuses on the theory and practice of knowledge, but one can legitimately extend it to other fields, most especially in aesthetics. Certain observable features in the fields of aesthetics, practice and artistic creation show that old evaluation criteria may now be obsolete. This is because upon further consideration, the definition of value remains opaque : should the artwork be judged according (...) to its moral value, its market value, or its formal value ? To side with or against the concept of value in art and aesthetics does not preclude a certain number of differences concerning the very nature of what is meant by value. If traditionally the ‘fact’ was the work, taken in all its tangibility, currently the materiality of the object no longer seems to play such a major role. Art is increasingly populated by so-called ‘immaterial’ or ‘ephemeral’ works and is therefore rarely, or badly, quantifiable according to old aesthetic and economic evaluation criteria. The progressively pragmatic contextualization of works within the social space puts forward a new definition of aesthetic value, no longer eternal and ideal, but rather anchored in the sensible and the politico-economic issues of a culturally specific situation. The current changes too support the idea that the question of ‘value’ and its confrontation with the concept of ‘fact’ is urgent. What role do artistic practices and aesthetic theories play ? A role of emancipation, of liberation, escape, or transformation ? Or on the contrary, could art become another means to subject individuals to the status quo ? As can easily be noticed, the question of maintaining or rejecting the dichotomy of facts and values is at the heart of the most pressing issues. (shrink)

Cet article interroge les fondements théoriques de l’expérience musicale chez quatre penseurs des Lumières : Condillac, Rousseau, Chabanon, et Smith. On dégage d’abord les opérations qui, selon Condillac, permettent au spectateur d’actualiser les imitations visées par le musicien. Ce « régime empiriste de l’écoute » envisage l’expérience musicale dans une dualité entre plaisirs sensibles de pure « jouissance » et plaisirs d’imagination intellectualisés. Rousseau cherche à sortir de ce dualisme, en fondant l’émotion musicale dans une théorie de la communication primitive (...) et dans une anthropologie de la pitié. L’effort de Chabanon pour rompre avec la conception imitative de la musique s’accompagne d’un retour du primat de la « jouissance » et d’une nouvelle forme de sensualisme musical. Adam Smith est le premier philosophe à dégager la musique du schéma mimétique sans renoncer à traiter l’écoute musicale comme une opération proprement intellectuelle. (shrink)

In this article, Catherine Kirchner-Blanchard et Frédéric Lefrançois question the decolonial stance of Caribbean artists who pursue artistic freedom and agency without relating or comparing their work to the great models of Western art history.

This paper focuses on the conception of an endogenous aesthetic matrix in the Caribbean and the Americas within a decolonial perspective.

This article focuses on the apparently paradoxical remarks of Novalis on landscape, which followed the famous “Romantikertreffen” of August 1798: that decisive meeting of the “early German romantics” on the occasion of a communal visit to the painting and sculpture galleries in Dresden. We analyze how Novalis surpasses the phenomenological conception of landscape painting proposed by August Wilhelm Schlegel by resorting to the "incorrect" categories of sculpture and haptic sense to talk about the feeling for nature that governs landscape painting. (...) This is the aesthetics of Herder – his reflections in the treatise “Sculpture” (1778) on the actual concrete and tangible force of the beautiful and the central importance it accords to the experience of one’s own body (a highly modern conception) – which is diverted here in a typical Novalisian gesture that we will show is consistent with his philosophy. The reception of Herder has contributed to the development in Novalis of a Pygmalionic aesthetics of contact with things that casts a different light on early romanticism: it is not only the exclusive exercise of a critical reflexivity that assumes distance, but also of a sensibility that seeks a tactile meeting point as it were between what is separated. (shrink)

In the ontology of the artwork and its regimes of existence, Gérard Genette gives but little room to the theory and practice of restoration. However, restoration is seen in relation to the identity of the work itself and to its material and pragmatic temporality and anachronism. In the wake of Nelson Goodman, it is also understood as a form of actuation and implementaion of the aesthetic experience. Starting from these premises, the present essay intends to examine the relationship between Genette’s (...) and Daniel Arasse’s reflections on restoration and the history of art, highlighting their similarities and differences with Cesare Brandi’s theory of restoration and, therefore, pointing out their as yet undischarged debts to Sartre’s phenomenology of image. (shrink)

Cet essai vise réfléchir sur le parcours du voyageur en insistant sur les liens multiples qui président à l’acte de marcher et à celui de la réflexion esthétique, en spécial, la peinture, la poésie et la performance. Si ces réflexions nous poussent vers une considération sur le temps et sa durée, nous essayons ici de les conduire sur les rapports entre l'Orient et l'Occident à cet égard. Nous allons illustrer ces différences et similitudes à travers la comparaison entre l’ascension (...) du mont Ventoux per Francesco Pétrarque (Arezzo 1304 – 1374 Arquà) et l’ascension du mont Lu per François Cheng (né à Nanchang 1929). -/- This essay reflects on the course of the traveler, emphasizing several links that govern the act of walking, aesthetics, with special attention to painting, poetry and performance. We hope to see how the East and the West reflect time and duration. We aim to illustrate these differences and similarities by comparing the ascent of the Mount Ventoux, by Francesco Petrarca (Arezzo 1304-1374 Arquà), and the ascent of the Mount Lu, by François Cheng (born in Nanchang 1929). (shrink)

The most obvious varieties of mental phenomena directed to non- existent objects occur in our experiences of works of art. The task of applying the Meinongian ontology of the non-existent to the working out of a theory of aesthetic phenomena was however carried out not by Meinong by his disciple Stephan Witasek in his Grundzüge der allgemeinen Ästhetik of 1904. Witasek shows in detail how our feelings undergo certain sorts of structural modifications when they are directed towards what does not (...) exist. He draws a distinction between genuine mental phenomena and what he calls `phantasy-material', asserting that `the job of the aesthetic object, whether it is a work of art or a product of nature, is to excite and support the actualisation of phantasy-material in the experiencing subject'. We might think of such phantasy-material as a matter of Ersatz-emotions or emotional `slop'. We could then see Witasek's aesthetics as an elaborate taxonomy of the various different sorts of Ersatz-emotions which the subject allows to be stimulated within himself in his intercourse with works of art, and see works of art themselves as machines for the production of ever more subtle varieties of such phantasy-material in the perceiving subject. (shrink)

Nous éprouvons une fière réjouissance d’avoir assisté à l’événement « De la musique avant toute chose ! » et c’est l’enthousiasme que cette rencontre aura produit qui nous aura poussé à approfondir la réflexion entamée ce jour-là. À tel point que la pluralité et la rigueur des vues exposées par les différentes interventions philosophiques, et encore l’exaltante performance musicale, aurons rendu compte de l’ampleur et de la richesse que revêt la question musicale. D’une part, nous avons compris lors de cet (...) événement à quel point la musique est omniprésente en notre monde et que nous devrions en éliminer sa diffusion superflue. D’autre part, nous avons vu toute la somptuosité de cette forme d’art dans ses multiples manifestations et rapports culturels. Enfin, nous avons appris en quoi la musique nous émeut tant selon les commentaires de différents philosophes traditionnels à travers l’histoire. Or, il n’en demeure pas moins que nous sommes restés dans une impasse : il nous a semblé ardu, voir inextricable, de discerner ce qui nous permettrait de conclure sur ce qui définit ce qu’est une grande musique, de conclure sur ce qui fait la grandeur de cette musique qui nous passionne tant. Pourtant, nous avions l’opportunité « avant toute chose » de faire l’expérience de cette même beauté, de vivre cette grandeur musicale. Aurions-nous dû, afin de trouver une réponse à nos questions, nous tourner vers cette expérience même que nous vivions, réfléchir à ce que nous avions vécu, essayer de comprendre le phénomène immédiatement vécu ? C’est cette question qui nous intéresse. (shrink)

While the French phenomenologist Maurice Merleau-Ponty remained engaged with artistic creation throughout his entire work, which continues to inspire artists today in manifold ways, no systematic and artistically inclusive study of this dimension of his thought has existed so far. Du sensible à l’œuvre fills this gap by offering not only an in-depth study of Merleau-Ponty’s aesthesiology and aesthetics by international Merleau-Ponty scholars spanning three generations, but also a rich selection of essays by art critics and theorists who assess the (...) impact of Merleau-Ponty’s philosophy on their own artistic fields, including cinema, music, literature, film, dance, and installation art. (shrink)

Je me propose de réfléchir ici sur la place de plus en plus importante qu’occupe la psychologie intentionnelle dans la phénoménologie transcendantale de Husserl à partir du milieu des années 1920. Pour ce faire, je commencerai par fournir quelques indications que l’on retrouve dans plusieurs textes appartenant à la dernière période de Freiburg sur ce qu’on pourrait appeler une réhabilitation de la psychologie au sein de la phénoménologie transcendantale et le projet d’une psychologie eidétique ; dans la deuxième (...) partie, je présente l’arrière-plan de cette problématique en rappelant la définition de la phénoménologie des Recherches logiques dans les termes de Brentano d’une psychologie descriptive et en rappelant les motifs qui ont amené Husserl, après la publication de cet ouvrage, à se dissocier nettement de cette définition. Je me demande ensuite ce qui motive ce nouvel intérêt de Husserl pour la psychologie dans la dernière version de sa phénoménologie et j’avance trois des facteurs qui me semblent justifier la réhabilitation, sur le tard, de la psychologie intentionnelle dans la phénoménologie : l’identification partielle de la phénoménologie avec la psychologie eidétique, le parallélisme entre les dimensions psychologique et philosophique de la phénoménologie et enfin la critique de la voie cartésienne et l’adoption de la voie psychologique de la réduction. Cette réhabilitation de la psychologie dans le giron de la phénoménologie soulève deux questions importantes dont je traiterai brièvement dans la dernière partie de cette étude. La première porte sur une version du psychologisme qu’il appelle, sur le tard, le psychologisme transcendantal ; la deuxième concerne les nombreuses références à Brentano durant cette période et elle porte sur la dette de cette version de la phénoménologie à l’égard de Brentano. (shrink)

RésuméLa critique kantienne de la psychologie rationnelle est une expérience de pensée visant ni un individu ni une école, mais une tendance de la raison humaine à « hypostasier » la condition intellectuelle suprême d'une connaissance quelconque (le « Je pense ») en connaissance du « moi ». Cette tendance implique une circularité qui est également la cible des critiques transcendantales bien plus familières qui visent Locke et Hume. De même qu'un nouveau type de cercle (dit « de niveau »), (...) cet article propose une conception des arguments transcendantaux différente de celle présupposée dans la plupart des débats contemporains sur l'empirisme, le naturalisme et le fondationnalisme cartésien. (shrink)

Les Cahiers philosophiques de Strasbourg 52 contains an Introduction and 9 new research articles in French & English on Friedrich Schiller's philosophy in relation to German Idealism. All fully available online on Open-Edition and as free e-book. -/- Edited and introduced by Henny Blomme, Laure Cahen-Maurel, & David W. Wood. With contributions by Frederick C. Beiser, María del Rosario Acosta López, Cody Staton, Jeremy D. Hovda, Laure Cahen-Maurel, Quentin Landenne, Katia Hay, Louis Carré, and Charlotte Morel. -/- SOMMAIRE / CONTENTS (...) -/- Introduction: Friedrich Schiller, a German Idealist? (Henny Blomme, Laure Cahen-Maurel & David W. Wood) -/- 1. Frederick C. Beiser. Schiller’s Humanism -/- 2. María del Rosario Acosta López. Une dimension esthétique de la critique : la temporalité du beau dans les lettres de Schiller Sur l’éducation esthétique -/- 3. Cody Staton. In Search of Play: Schiller’s Drive Theory as a Turn Away from Kant -/- 4. Jeremy D. Hovda. Bildung between Kant and Schiller -/- 5. Laure Cahen-Maurel. Fichte avec Schiller : La querelle des Heures à la lumière de Grâce et Dignité -/- 6. Quentin Landenne. La Bildung chez Schiller et Fichte, entre esthétique et politique -/- 7. Katia Hay. On the Tragic-Sublime and Tragic Freedom: Thinking with Schiller and Schelling -/- 8. Louis Carré. Vicissitudes de l’État organique : Kant, Hegel, Schiller -/- 9. Charlotte Morel. Conjoindre idéalisme et réalisme après Hegel : Les lectures de Schiller par Lotze et Lange -/- Résumés / Abstracts. (shrink)

Dans l’histoire de la métaphysique, l’époque initiée par Descartes se caractérise par le projet de tirer toute connaissance de son propre fonds. C’est ce que Kant a exprimé par la révolution copernicienne : les structures universelles des objets de l’expérience (temporalité, spatialité, grandeur, force, mathématisabilité, etc.) se règlent sur les structures a priori impliquées dans la constitution du sujet transcendantal (les facultés et leurs formes pures). Par là, toute l’ontologie de l’objet d’expérience possible trouve son fondement dans une présupposition (...) class='Hi'>transcendantale : celle de la préconstitution invariante du sujet transcendantal, caractérisée par un système de facultés (sensibilité, imagination, entendement, raison) et de formes pures (intuitions, schèmes, concepts et Idées pures). N’est-il pas possible d’élaborer une philosophie transcendantale qui fasse l’économie d’un tel présupposé ? Tel est le projet que l’auteur voit dans la phénoménologie husserlienne : un dépassement de la révolution copernicienne, dont le but n’est nullement de restaurer une ontologie réaliste, mais d’élucider l’essence du sujet transcendantal sans en présupposer l’identité, ni les facultés invariantes. En voici le principe : toute catégorie d’objets prescrit au sujet transcendantal une structure régulatrice, de sorte que le système des facultés du sujet peut être réélaboré au fil conducteur des types d’objets possibles. Dès lors se présente un cercle apparemment insoluble : l’essence du sujet pur se lit à partir des catégories d’objets, mais ces mêmes objets sont constitués par l’activité synthétique du sujet. Or, comment peut-on admettre le paradoxe selon lequel le sujet serait le produit de ses produits ? (shrink)

Cet article cherche à élucider la fonction du concept de constitution dans la théorie idéaliste transcendantale des Ideen I de Husserl. Après avoir établi que le concept de constitution renvoie toujours dans la phénoménologie statique de Husserl à la propriété fondamentale qu’a la conscience intentionnelle de produire le sens de l’objet (Seinssinn), l’article se concentre par la suite à montrer que le projet général que poursuit les Ideen I est celui de comprendre la manière particulière par laquelle le réal (...) arrive à se manifester à la conscience. En passant par la théorie du noème, on arrive, à travers cette compréhension du concept de constitution, à montrer en quel sens l’objet réal se constitue par et dans la conscience comme un « X identique », un objet purement « formel », marqué par l’absence de toute détermination, et comme un « centre unificateur » grâce auquel les différents sens « objectifs » s’y greffent à titre de « prédicats ». C’est alors qu’on comprendra in fine que le concept de constitution joue pour la phénoménologie des Ideen I une fonction épistémologico-phénoménologique. (shrink)

Que se passe-t-il si l'on traite Foucault en philosophe? Si, plutôt que de reprendre la perspective des sciences sociales, l'on soumet son oeuvre à une lecture purement philosophique? Peut-on découvrir, sous les prises de position contrastées et parfois provocantes de l'auteur, la continuité - si protéiforme soit-elle - d'un même projet philosophique? Ce projet, il existe. C'est celui d'une histoire duelle que l'articulation de l'archéologie à la généalogie permet de retracer: l'histoire transcendantale des conditions de possibilité du vrai et (...) de ses effets subjectivants sur les individus. Mais si Foucault entend effectivement nouer un dialogue avec la tradition philosophique occidentale, en quoi consiste son apport personnel, et quelle est sa fécondité philosophique? (shrink)

Résumé Si l’absence de moralité des psychopathes a été largement étudiée, il existe peu de recherches sur leurs capacités esthétiques. Pourtant, beaucoup d’études cliniques de cas montrent qu’ils présentent un grave déficit dans ce domaine. Cet article se propose d’en chercher les causes. Il analyse les forces et les limites de l’hypothèse d’un manque d’empathie pour expliquer ces carences esthétiques, et montre pourquoi l’hypothèse d’un manque de distance psychique se révèle plus féconde. Celle-ci permet en outre de comprendre le lien (...) de l’esthétique et de l’éthique par leur filiation commune : elles ont pour socle commun la capacité à prendre de la distance par rapport à des intérêts étroitement égoïstes. (shrink)

La position résolument extensionaliste de Quine a été appuyée par des arguments de nature différente, dans ses multiples articles destinés à rejeter le projet de logique modale. On peut classer ces arguments en trois catégories : un argument naturaliste, où l’auteur tente de baser le langage scientifique sur une notation tâchée de décrire la “structure ultime de la réalité” ; un argument esthétique, où Quine fait allusion à des raisons de clarté et d’efficacité démonstrative pour privilégier la théorie des (...) fonctions de vérité ; un argument pratique, dans la mesure où Quine défend la logique classique sur la base du “principe de mutilation minimum”. A travers une étude de ses écrits relatifs aux attitudes propositionnelles, nous montrerons que la philosophie de la logique de Quine a prolongé la partie épistémologique de son oeuvre, optant finalement pour une stratégie de réduction naturaliste des intensions, à l’image du mouvement engagé par Word and Object et prolongé par From Stimulus to Science. Ce projet se soldera par un échec relatif, et Quine résumera cette désillusion par un fossé entre les structures du langage et du monde : la thèse du “monisme anomal” de Davidson sera le dernier mot, amer, du défenseur acharné de la logique classique. (shrink)

A sustained challenge to the view that artworks are physical objects relates to the alleged inability of physical objects to possess representational properties, which some artworks clearly do possess. I argue that the challenge is subject to confusions about representational properties and aesthetic experience. I show that a challenge to artwork-object identity put forward by Danto is vulnerable to a similar criticism. I conclude by noting that the identity of artworks and physical objects is consistent with the insight that attending (...) exclusively to the object’s individual physical properties may prevent us from grasping the nature of the work. // Contre l’opinion voulant que les œuvres d’art soient des objets physiques, d’aucuns font régulièrement valoir la présumée incapacité des objets physiques à possedér des propriétés représentationnelles, propriétés que certaines œuvres d’art possèdent a l’evidence. Je fais valoir que cette remise en question est sujette à des confusions à propos des propriétés représentationnelles et de l’experience esthétique. Je montre que de même, la remise en question par Danto de l’identité œuvre d’art-objet prête le flanc à une critique similaire. Je conclus pour finir que l’identité entre œuvres d’art et objets physiques est compatible avec l’intuition voulant que prêter attention exclusivement aux propriétés physiques d’un certain objet peut nous empêcher de saisir la nature de l’œuvre. (shrink)

Cet article s’attache à dégager le sens de la doctrine phénoménologique husserlienne de la raison en l'opposant à la théorie kantienne. Pour Kant, la raison et les Idées rationnelles sont constitutives de la nature du sujet fini en général, de sorte qu'il n'est pas possible de fournir une déduction transcendantale ou une légitimation des Idées rationnelles, mais seulement d'en opérer une dérivation à partir de la nature du sujet fini. A contrario, dans le cadre de la phénoménologie transcendantale, (...) les facultés ne doivent plus être comprises comme des composantes de la nature subjective, mais doivent être déchiffrées au fil conducteur des types d’objets constituables par la conscience pure. Nous tâchosn donc d'élucider ce que peut être une telle théorie de la raison orientée sur un tel principe anticopernicien. (shrink)

Citation: Christodoulou, Marina. “Philosophical An(n)ales: Laideur Abject Dégoût...comme une allergie à l’Autre (féminin),” (trans. Bertrand Naivin) in Sur la laideur. [Actes du symposium On Ugliness, organizé par Lars Aagaard- Mogensen au Wassard Elea (Ascea, Italie) en juin 2016], edited by d Bertrand Naivin and Lars Aagaard-Mogensen (Paris: Editions Complicités, 20178, 97-109. ISSN: 9782351201435 -/- -------------------- -/- Laideur Abject Dégoût ... comme une allergie à l’Autre (féminin) Sur l’art et l’esthétique sexués. -/- Pourquoi le dégoût est-il (ou peut-il être considéré) (...) comme sexiste (phallocratique et misogyne): Une allergie à l’Autre. (shrink)

Qu’est-ce que l’indignation ? Cette émotion est souvent conçue comme une émotion morale qu’une tierce-partie éprouve vis-à-vis des injustices qu’un agent inflige à un patient. L’indignation aurait ainsi trait aux injustices et serait éprouvée par des individus qui n’en seraient eux-mêmes pas victimes. Cette émotion motiverait la tierce-partie indignée à tenter de réguler l’injustice en l’annulant et en punissant son auteur. Cet article entreprend de montrer que cette conception de l’indignation n’est que partielle. En effet, l’indignation ne porte pas que (...) sur les injustices, mais plus généralement sur les torts injustifiés. Ce faisant, l’indignation peut être une émotion morale, mais aussi une émotion conventionnelle ou esthétique. De plus, elle peut être éprouvée par les individus victime des torts : elle n’est pas uniquement éprouvée par des tierces-parties. De la sorte, les individus indignés qui subissent les torts peuvent eux-mêmes chercher à les annuler et à punir leurs auteurs. Puisqu’elle peut être éprouvée tant par des spectateurs que par les personnes qui subissent les torts et qu’elle incline ceux qui l’éprouvent à faire appel à d’autres personnes pour réguler ces torts, l’indignation vécue individuellement est partageable : elle peut devenir une émotion collective jouant un rôle fondamental dans la régulation sociale en contribuant au renforcement de normes sociales existantes ou à l’émergence de nouvelles normes sociales associées aux idées du juste prévalant dans la société considérée. (shrink)

Le fameux paradoxe de la fiction (Radford 1975) a suscité maintes interprétations. L’une des distinctions importantes qui affleure bien souvent au sein de cette littérature, pour se voir presque aussitôt négligée, est celle entre les deux questions suivantes : « comment les émotions peuvent-elles être suscitées par des œuvres de fiction ? » et « les émotions suscitées par de telles œuvres peuvent-elles être rationnelles ? » Dans ce qui suit, je me concentrerai exclusivement sur la seconde de ces questions (...) et chercherai à montrer que la plupart de nos réponse affectives à la fiction ne sont pas irrationnelles. Ma discussion se structure de la manière suivante. La première section esquisse la nature du lien entre émotions et valeurs et introduit une conception selon laquelle les émotions sont des attitudes évaluatives. Au cours de la deuxième section, nous nous tournerons vers le problème de la rationalité des émotions pour mettre l’accent sur deux de ses aspects – celui qui regarde le rapport entre une émotion et sa base cognitive, d’un côté, et, de l’autre, celui entre l’émotion elle-même et les jugements et comportements auxquels elle peut donner lieu. La troisième section applique ces considérations à propos de la rationalité affective aux émotions suscitées par la fiction, dont je distingue trois types principaux : les émotions esthétiques, les émotions-blob et les émotions-pour. Une quatrième et dernière section explore quelques conséquences des conclusions auxquelles m’auront amené ce qui précède. (shrink)

Reposant la question de la structure logique de la modalite chez Kuki, cette etude vise a mettre en evidence les multiples dimensions du temps humain. Une telle meditation s’accompagne d’une reflexion sur le ≪ vecu ≫ de la vie concrete dont Kuki fournit une elucidation que l’on pourrait qualifier de metaphysique. Cette metaphysique de la vie est a rapprocher de la pensee de l’Instant tel que Kierkegaard le pense, de la temporalisation heideggerienne et de la duree chez Bergson. Mais le (...) philosophe le plus important convoque par Kuki reste Nietzsche dont la pensee fulgurante de l’eternel retour du meme nourrit la categorie de la contingence de l’existence. Sauf que precisement, la contingence ne peut pas etre une categorie. La philosophie nietzscheenne traverse et nourrit l’oeuvre de Kuki. La presente etude a pour ambition de laisser se confronter la pensee du retour et le temps de la duree. C’est dire qu’il est question ici de reflexion metaphysique sur cette dimension fondamentale de la conscience qu’est la forme du sens interne. Utiliser cette notion c’est eo ipso faire reference a Kant. Quels sont les rapports de ces multiples temporalites avec le temps eternel des dieux et du destin, telle est la question que souleve l’opus magnum de Kuki. Nous montrons les articulations d’abord logico-metaphysiques, ensuite existentiales de la structure de l’existant. C’est le raffinement esthetique de l’aristocrate qu’etait Kuki qui a nourri notre essai de penser et de comprendre la structure de l’Iki. (shrink)

Les sciences cognitives poursuivent un objectif fort ancien, qui consiste, sommairement dit, à décrire et à expliquer les comportements intelligents. Elles appliquent à cet effet des principes méthodologiques moins traditionnels, dont l'adoption définit ce qu'il est convenu d'appeler le "tournant cognitif". Je me propose ici d'exposer brièvement ces principes, de les illustrer par des exemples appropriés et d’en discuter la signification philosophique. Pour l’essentiel, j’ai mis en avant un domaine qui me semble particulièrement pertinent pour les philosophes: l'analyse de la (...) catégorisation, c'est-à-dire du processus par lequel un ensemble d'entités (stimuli sonores ou visuels, objets concrets ou abstraits) en vient à être classifié en catégories séparées, qui peuvent être de type perceptif (phonèmes, couleurs) ou conceptuel (espèces naturelles, types d'événements, catégories esthétiques et morales). (shrink)

Dans ces « Prolégomènes à une philosophie des catastrophes », on avance qu'une réflexion philosophique sur ces phénomènes doit s’obliger à travailler dans une extension maximum (en abordant la question du point de vue métaphysique, ontologique, épistémologique, esthétique, éthique et politique) et en explorant toutes les ressources que nous offre la pensée comme outil cognitif (décrire, comprendre, expliquer), émotionnel (sentir et ressentir, éprouver), prédictif (prévoir, imaginer) et normatif (juger, décider). Penser les catastrophes au pluriel, c’est aussi se rendre compte (...) qu’historiquement, le monde n’en finit pas de finir dans l’esprit des hommes et que cette possibilité de la fin a suscité en eux des réflexions d’une grande variété (de l’effroi le plus glaçant à l’enthousiasme le plus ardent) qui valent la peine d’être analysées chacune pour elle-même. (shrink)

In this essay, I argue that Valéry's poetic reflections offer valuable insights on the ancient (Aristotelian) ideal of beauty as perfection, which he rehabilitates and updates. I also show that these clarifications provide solutions to enduring aesthetic problems. To do this, I start from the modal vocabulary (necessary, possible, arbitrary) Valéry uses each time he wants to describe the relationship of an author to his composition. He therefore seems to have been deeply fascinated by the tension between the fact that (...) a creator is always free to compose what he wants, and the fact that the same creator wants his work or parts of it to be imposed on him, while he is in the midst of his creative process. Here comes into play the ideal in question, since the perfection of a work implies, among other things, that one cannot want to modify this work for the better (being already perfect). After a detour aiming to introduce the importance of the rules of composition and to refute the idea that this ideal would no longer have any relevance in a modern artistic perspective, I detail what could be called the "aesthetic holism" of Valéry, which retains from a work only its formal dimension, considered in an original way as a formal whole composed of other formal parts. It is therefore above all a form that must be perfected, against possible relative deprivations (lacks or defects). Then, I link (with the help of Wittgenstein) the modal vocabulary to this notion of form which, by posing compositional challenges, turns out to be essential to the understanding of beauty as perfection. -/- Dans cet essai, je soutiens que les réflexions poétiques de Valéry offrent des éclaircissements particulièrement précieux sur l’idéal ancien (Aristotélicien) de beauté comme perfection, qu’il réhabilite et réactualise. Je défends également l’idée que ces éclaircissements peuvent nous mettre sur la voie de solutions à des problèmes endurants de l’esthétique. Pour ce faire, je pars de l’usage remarquable que Valéry fait d’un vocabulaire modal (nécessaire, possible, arbitraire) chaque fois qu’il veut décrire de quelle manière un auteur se rapporte à sa composition. Il apparaît ainsi que ce qui a profondément fasciné Valéry, c’est le dilemme ou la tension selon laquelle tout en étant libre de composer comme il l’entend (en laissant libre cours à sa fantaisie), un créateur aspire néanmoins à ce que son œuvre ou les parties de cette dernière s’imposent à lui, pendant qu’il crée. Ici entre en jeu l’idéal en question, car la perfection d’une œuvre implique entre autre chose que nous ne puissions vouloir modifier cette œuvre pour le mieux (celle-ci étant justement déjà parfaite). Après un détour visant à introduire l’importance des règles de composition et à réfuter l’idée que cet idéal n’aurait plus de pertinence dans une perspective artistique moderne, je détaille ce que l’on pourrait appeler le « holisme esthétique » de Valéry, qui ne retient de la composition d’une œuvre que sa dimension formelle, envisagée de manière originale comme une totalité faite d’autres parties formelles. C’est donc avant toute chose une forme qu’il faut parfaire, contre d’éventuelles privations relatives (manques ou défauts). Il s’agit alors de connecter (à l’aide de Wittgenstein) ce vocabulaire modale à cette notion de forme qui, en posant des enjeux de composition, se révèle indispensable à la compréhension de la beauté comme perfection. Après une défense à contretemps des traditions formelles dans la création (puisque ce sont de telles traditions qui constituent les ressources par lesquelles un individu libre et autonome peut vouloir, non seulement se faire l’héritier de ces traditions, mais aussi se montrer original et innovant), je termine en appliquant les idées de Valéry au débat qui a opposé un camp « généraliste » à un camp « particulariste » en matière de raisons esthétiques. (shrink)

L’une des activités de l’imagination, opération qui prend sa source dans l’imaginaire, consiste à faire des parcours dans l’espace et dans le temps du monde. Le flâneur parcoure des variations de paysages et d’horizons, comme une séquence imaginative. Il existe une liaison logique entre la marche, le récit, la peinture et le mythe : dans chacun de ces cas, l’imagination est fortement stimulée. Chacun d’entre eux est un moyen de cheminer selon des voies vers une Vérité supérieur. La marche est, (...) pour l’individu, une quête à plusieurs dimensions : quête de connaissances sur le monde, sur soi-même ; quête de sa véritable identité ou quête d’une Vérité supérieure (comme dans le cas des pèlerinages) ; le mythe, la religion, la peinture et l’écriture sont, de même, des expressions des cheminements vers telle ou telle Vérité. Le thème de la marche nous offre donc l’occasion de porter un regard particulier sur l’esprit hétéroclite du voyageur, collectionneur d’objets, de traces. Mais aussi, au contraire, du sujet qui s’évide, comme chez les taoïstes. Cet essai vise réfléchir sur le parcours du voyageur en insistant sur les liens multiples qui président au temps, à l’acte de marcher, et celui de la réflexion esthétique, en spécial, la peinture et la poésie. Cependant, si ces réflexions nous poussent vers une considération sur le temps et la durée, nous essayons ici de les conduire sur les liens entre l'Orient et l'Occident à cet égard. (shrink)

This article shows that Paul Ricoeur and Carol Gilligan develop their theories of the self by borrowing critically from Freudian aesthetics, adding an ethical dimension missing in it. Ricoeur critiques, completes and endorses the Freudian interpretation of the Oedipus, while Gilligan rejects it, since she considers it distorted by patriarchal ideology. Both are reclaiming the Freudian theory of culture by focusing on what Freud called the «life drive» as opposed to the «death drive». But Ricoeur does not pay the same (...) attention as Gilligan to patriarchal ideology conveyed by Greek tragedies. Thus, his ethics remains deeply rooted in the language of the tragic conflict (Oedipus, Antigone), while Gilligan’s ethics seeks to renew the language of pleasure (Cupid and Psyche). -/- ----------- Cet article montre que Paul Ricœur et Carol Gilligan développent leurs théories du soi en puisant de manière critique à l’esthétique freudienne, y ajoutant la dimension éthique manquante. Si Ricœur critique, complète et entérine l’interprétation freudienne de l’Œdipe, Gilligan se distingue davantage de Freud, qu’elle juge biaisé par l’idéologie patriarcale. Tous deux se réapproprient la théorie freudienne de la culture en mettant l’accent sur ce que Freud appelait la «pulsion de vie» par opposition à la «pulsion de mort». Mais comme Ricœur n’accorde pas la même attention que Gilligan à l’idéologie patriarcale véhiculée par les tragédies grecques, son éthique reste profondément enracinée dans le langage du conflit tragique (Œdipe, Antigone), alors que celle de Gilligan cherche à renouveler le langage du plaisir (Cupidon et Psyché). (shrink)

While it is now accepted in the secondary literature to treat Frühromantik - early German Romanticism - as a philosophical movement in its own right, the exact determination of the philosophical nature of this movement still remains one of the central stumbling blocks faced by interpreters. At the heart of this debate is the question of the relationship between the early romantics and Fichtean idealism. One point of rupture with Fichte and his theory of nature seems particularly obvious at first (...) glance: Novalis's substitution of the pronoun "you" for the Fichtean "Not-I". This occurs in one of Novalis’s most famous expressions: "(You). Instead of the Not-I – You.” ((Du). Statt Nicht-Ich – Du). For most commentators, when analyzing the romantic relationship between the human being and nature, this substitution becomes the clearest expression that Novalis rejects the supposed subjectivism of Fichte's philosophy. Here the Nicht-Ich, the Not-I, - i.e. nature – is often read in Fichte as something negative, as an abstract antithesis of the I - as everything that is not human or the subject. - Whereas Novalis, on the other hand, reinjects the human element, the "you", back into nature. It is furthermore argued by these commentators that this radical substitution is motivated by the romantic call to realize not only the inseparability of the human being and nature, but to recognize their equal value. It indicates a necessary departure from transcendental idealism in favor of a rapprochement with Schelling's philosophy of nature. However, could such an interpretation be based on a preconception, or even on a prejudice? I argue that it is; and that it is based on the assumption that Novalis breaks with Fichte’s philosophy. In contrast, I defend the view that the idea of Nature as a “You” is already to be found implicitly in Fichte and that Novalis’s above well-known expression should be read as in continuity with Fichte’s transcendental epistemology and as an original dialogical extension of it. To see this, one needs to retrace the context and the philosophical chain of events from Novalis back to Fichte, and from Fichte back to Jacobi. (shrink)

L’article examine les « compositions » de Tchernikhov en liant sa recherche constante de nouvelles formes à la capacité de convertir les « fantaisies » en représentations. Contrairement à Aristote, qui conçoit la mimèsis comme l’équivalent de l’entreprise artistique, Tchernikhov perçoit ses « compositions » comme des actes de dépassement de la mimèsis par la phantasia. Les illustrations visionnaires de ses Fantaisies architecturales expriment son intention de remplacer les mots par des images graphiques. Son approche est fondée sur la croyance (...) que la puissance de l’imagination permet à la langue graphique, qui est par ailleurs internationale, de fonctionner comme un précurseur du progrès. L’objectif de l’article est d’élucider comment Tchernikhov traite la tension entre imagination et réalité et d’examiner dans quelle mesure sa production graphique parvient à surmonter la mimèsis à travers la phantasia. La réponse à ces questions pourrait nous aider à expliquer pourquoi Tchernikhov a souvent été jugé comme inclassable et à évaluer à quel point sa démarche reflète les polarités entre les rationalistes et les constructivistes. L’opposition entre « composition » et « construction » permet de mieux comprendre le positionnement à la fois singulier et fondamental de Tchernikov par rapport au constructivisme. L’article met en évidence le fait que le rôle essentiel de la phantasia pour Tchernikhov découle de la valorisation de la « composition » plutôt que la « construction ». (shrink)

Psychopaths are the bugbears of moral philosophy. They are often used as examples of perfectly rational people who are nonetheless willing to do great moral wrong without regret; hence the disorder has received the epithet “moral insanity” (Pritchard 1835). But whereas philosophers have had a great deal to say about psychopaths’ glaring and often horrifying lack of moral conscience, their aesthetic capacities have received hardly any attention, and are generally assumed to be intact or even enhanced. Popular culture often portrays (...) psychopaths in ways that suggest a great gap between their amorality and their aesthetic sensitivity. In The Silence of the Lambs (Jonathan Demme, 1991), Hannibal Lecter appreciates fine art, fashion, and wine, while he eats his way through his enemies. His real-life counterparts, however, do not demonstrate the same sensitivities. There is no evidence that psychopaths are capable of real aesthetic appreciation, and some evidence that they are not. In this paper, we set out the limited evidence for the psychopath’s deficient aesthetic sensitivity. The best explanations of what the psychopath lacks turn out to implicate abilities that are also thought to be central to moral thought and action: an impaired capacity for empathizing with others and deficient ability to take a disinterested attitude towards things (socalled distance). We endorse the latter explanation. Thinking about what underlies the psychopath’s deficient aesthetic understanding turns out to throw light on a difficult problem: the connection between ethics and aesthetics. (shrink)