In disagreement with Claudia Baracchi’s controversial thesis that there is a “simultaneity and indissolubility” if not an “identity” of intelligence (nous) and perception (aisthēsis) at the core of Aristotle’s philosophy, I will argue that Aristotle maintains a fundamental distinction between these cognitive faculties. My goal in this paper is to examine specific parts of two central and complex passages, VI.8, 1142a12-30 and VI.11, 1143a33-b15, from the Nicomachean Ethics to show that Baracchi’s view is unpersuasive. I will show that Aristotle (...) considers nous to be a different capacity than mere perception and one through which particulars and indemonstrable principles become intelligible. Moreover, I will show that Aristotle considers that the objects of nous differ in kind from those that sensation (our senses) and perception (inference from our senses) grasp. After examining critically Baracchi’s thesis in light of a close reading of those two relevant passages, I will conclude the paper by showing the significance of Aristotle’s claim that a state is defined in terms of its objects of apprehension for understanding the distinction between nous and aisthēsis. (shrink)

Kazimir Malevich’s style of Suprematist painting represents the inauguration of nothing less than a new form of culture premised upon a demolition of the Western tradition’s reifying habits of objective thought. In ridding his canvases of all objects and mimetic conventions, Malevich sought to reconfigure human perception in such a way as to open consciousness to alternative modes of organization and signification. In this paper, I argue that Malevich’s revolutionary aesthetic strategy can be illuminated by a return to the very (...) basis of this tradition, namely by a reconsideration of Aristotle’s account in De Anima III.2 of the initial possibility of objective perception as such. (shrink)

Ranciere's Aisthesis: Scenes from the Aesthetic Regime of Art -Irfan Ajvazi.

Building on my previous exploration of the role of dance in the contemporary French political philosopher Jacques Rancière’s Aisthesis: Scenes from the Aesthetic Regime of Art, first published in French in 2011, the present essay turns to another book originally published in the same year, The Intervals of Cinema. Having previously established that the core of Rancière’s philosophical method is an analysis of philosophical homonyms into figurative dancing conceptual partners, I begin by applying that method to the first chapter of (...) Intervals, “Cinematic Vertigo: Hitchcock to Vertov and Back.” There I identify two series of such dancing partners, as follows: Hitchcock’s image-controlling, capitalist vertiginous fall, and Vertov’s movement-equalizing, communist balanced dance. I then critique the implicit marginalizing of women and female bodies in the films and chapter, including Hitchcock’s protagonist’s best friend and ex-fiancé, and Vertov’s cosmetologists and switchboard operators. Finally, I offer a corrective from the proto-feminist life of my grandmother, a onetime cosmetologist, switchboard operator, and Glamour Shots amateur model, my grandmother, Louise Nunnelley, or “Mamaw.” Such are the unacknowledged material basis of Rancière’s radical democratic philosophy, the specifically-embodied and positioned female dancers who continue to get lost in his figurative dance. (shrink)

Linguistics of Saying is to be analyzed in the speech act conceived as an act of knowing. The speaking, saying and knowing subject, based on contexts and the principles of congruency and trust in the speech of other speakers, will create meanings and interpret the sense of utterances supplying the deficiencies of language by means of the intellective operations mentally executed in the act of speech. In the intellective operations you can see three steps or processes: first the starting point, (...) intuition or aísthesis; second, the process of abstraction; and third, the inverse: the process of determination or fixing the construct created. (shrink)

Mimicry, camouflage, transvestism, chance or cryptic anamorphism, fascination – all ways of changing clothes, habits and habitats in nature as well as in culture, in any symbolic field created by human beings during their history. Art and artification, aestheticization, stylization and beautification are all practices reflecting the need and desire for biological as well as social adaptation, all performances producing functional and fictional frames, boundaries or hierarchies in ordinary life, including the artworld. They can persuade and convince by creating consensus (...) and belief, but they can also lead to a different common sense, a sensorium – a sensorial medium and an aesthetic mediation open to a new world and to new experiences. -/- By investigating mimetism as a fundamental and polymorphic aesthetic performance, this issue of «Aisthesis» aims to rethink the concept, value, and function of mimesis and its media in the context of camouflage, simulation, and dissimulation, where images do not reveal themselves as such, but are to be perceived unambiguously as what they are not – as hieroglyphs or puzzles. In the animal kingdom, as well as in war or in ordinary public life, camouflage consists in taking on the traits, colours, and shapes of a given form or environment. This is a twofold process: on the one hand, by blending two or more shapes in one, the camoufleur seeks to remain hidden and to mislead the others in order to keep a vital secret or an ephemeral whim; on the other hand, however, he/she aims to be recognized by a specific milieu or group, thus betraying a craving for communication and familiarity, as well as a need to convey an agreeable appearance and to share a way of life. (shrink)

This makes three main interpretative points about the progression from perception to universals described in 'Posterior Analytics' II.19: (1) The noun "'aisthesis'" as used in the chapter may refer not to the act of perceiving but to perceptual contents retained in memory. (2) An 'empeiria' (experience) should be understood as a capacity to generate expectations about new members of an unconceptualized kind based on memories of other members of the kind. (3) The famous rout analogy is a metaphor for the (...) perfection of such a capacity into a concept that can underwrite demonstrative knowledge (rather than mere expectation). (shrink)

El lenguaje o la actividad cognoscitiva del ser humano que se debate en su lucha contra la circunstancia en la que le ha tocado vivir es hablar, decir y conocer. El hombre habla porque tiene algo que decir, dice porque se define a sí mismo ante la circunstancia en la que vive en cada momento, y esto es posible porque conoce de forma creativa. En este sentido el decir determina el hablar, por arriba, y el conocer por abajo. El conocer (...) humano empieza en una sensación sensible, la aísthesis, la cual es transformada en un universal, extracto o concepto, logos, el cual es el fruto de una serie de operaciones intelectivas realizadas por el propio sujeto en u solo acto, el acto único de hablar, decir y conocer. (shrink)

El decir es anterior y va más allá del hablar, se vale del hablar y constituye la determinación del hablar. No hay un hablar sin un decir y sí puede haber un decir sin un hablar. El acto lingüístico es la manifestación del lenguaje, la lengua, el pensamiento y el conocimiento. Es fruto de un hablar, está determinado por un decir, presupone un conocer y revela la actitud del hablante, un sujeto libre e histórico, que es, a la vez, sujeto (...) hablante, dicente y cognoscente, ante la realidad y el mundo. De la misma manera que no se da un hablar sin un decir, tampoco se da un decir sin un conocer. En su génesis más profunda el conocer determina al decir y éste al hablar. Así, pues, el «ser hablante» (Coseriu) es, a la vez, el sujeto «dicente» (Ortega y Gasset) y el sujeto cognoscente (Coseriu, Ortega y Gasset, Heidegger, Aristóteles), porque se realiza a sí mismo en el acto del hablar y éste está determinado por el acto del decir y en última instancia por el acto del conocer. El decir define al hablante ante la realidad y el mundo y da soporte a lo que es la realidad y el mundo, que no es más que aquello a lo que el sujeto hablante, dicente y cognoscente le atribuye el ser o realidad. El ser humano, «coexistencia actuante de mí o yo con la circunstancia o mundo» (Ortega y Gasset), se libera de la necesidad vital en la que está inmerso, de la circunstancia a la que está inexorablemente ligado, mediante el conocer. Por el conocer el ser humano atribuye a eso que le rodea y afecta «el ser», haciendo de ello «cosas» y «mundo» constituido por «cosas». Todo esto se manifiesta en el acto lingüístico, que es un acto creador en un triple sentido: crea las cosas y el mundo (contenidos de conciencia, significados), crea la realidad de las cosas y el mundo, y crea la expresión de lo que es las cosas y el mundo (el lenguaje y la lengua) mediante lo dicho (lektón) determinado esto por el pensamiento (lógos). El acto lingüístico es creación (poiesis) y es manifestación (apóphansis), acto de crear un mundo y acto de desvelar el mundo interior del sujeto hablante, dicente y cognoscente, acto de desvelar lo que está oculto y que ahora es no-oculto o verdadero (a-lethés). El hablar, el decir y el conocer son acciones vitales del ser humano. El hablar es una acción vital del sujeto creador que le viene de fuera, de la comunidad; el decir es la acción vital que le viene de dentro y que proyecta él mismo hacia fuera, hacia la comunidad; y el conocer es el acto mismo de creación de un sujeto, que es, opuestamente, libre e histórico, absoluto y limitado, creador de formas y participante de formas comunes creadas en la comunidad. El hablar en sí mismo, al igual que la lengua, es a-circunstancial y tiene que ver con la creación en términos absolutos e históricos. El decir como manifestación del interior del sujeto hablante, dicente y cognoscente tiene que ver con la verdad o aquello que se manifiesta desvelándose (a-létheia). De esta manera, podemos ver dos clases de pensamiento o logos: el logos a-circunstancial o intersubjetivo o histórico, lógos semantikós, y el logos que manifiesta una realidad interior y crea una realidad exterior desde el interior del sujeto creador o lógos apophantikós. La lingüística del decir que ahora se presenta recoge una propuesta en el mismo sentido hecha por Ortega y Gasset y es la continuación de la lingüística del hablar de Coseriu. Hace un replanteamiento de la realidad radical, el ser hablante de Coseriu, que es concebido ahora como el sujeto hablante, dicente y cognoscente. Estudia el acto lingüístico, acto del hablar, decir y conocer, como la manifestación primera de la intención significativa de cada sujeto. Se basa en los principios de la lingüística del hablar de Coseriu, especialmente en los que describen el plano universal e individual del hablar, es decir, los principios de la confianza en el hablar del otro y de la congruencia y coherencia en el hablar. Mira, por consiguiente, al acto lingüístico como «producción», como aquello que se crea en el acto único del hablar, decir y conocer. La finalidad de la lingüística del decir es llegar la génesis misma del lenguaje, que no es más que la génesis del acto lingüístico. Analiza el acto lingüístico como la manifestación del acto del conocer, el cual partiendo de la aísthesis o intuición sensible (Ortega y Gasset, Heidegger, Aristóteles) o intuición inédita del hablante (Coseriu), se descompone en una serie de operaciones intelectivas, cada una de las cuales contribuye a configurar de una manera dada la «aprehensión del ser» inicial e inédita. Estas operaciones intelectivas son: la selección, el establecimiento de una designación, la creación de una clase o esencia, la relación, la nominación y la determinación. Tras la presentación y justificación de lo que es cada uno de los conceptos indicados arriba (los cuatro primeros capítulos), el libro dedica un capítulo a cada una de estas operaciones intelectivas, analizada e ilustrada con ejemplos. Como ilustración de lo que puede ser el análisis aquí propugnado, se dedica un capítulo al análisis del adjetivo 'brisk’, adjetivo de conducta de la lengua inglesa. (shrink)

Teil I »Psychologische Ästhetik für transdisziplinäres Design« -/- Kapitel I »Empirische Ästhetik – Der Konflikt zwischen leichter Verarbeitbarkeit, sparsamer Codierung und neuronaler Aktivierung im Beobachtersystem. Eine Untersuchung über das Wesen der ästhetischen Erfahrung. -/- Jede Designpraxis verlangt täglich eine Vielzahl von Entscheidungen, welche die Wahl von „Etwas vor dem Hintergrund anderer Möglichkeiten“ darstellen. Diese lassen sich als Probleme einer Präferenz-Ästhetik interpretieren, wobei innerhalb eines Repertoires von Alternativen die attraktivste gewählt wird. Eine empirische Ästhetik ist somit ein notwendiger Bestandteil von Designtheorie. (...) Die Überlegung, wer in welcher Situation warum was bevorzugt, führt zur Forschungsfrage: »Was ist der elementare Mechanismus für eine ästhetische Erfahrung?« In der Literatur zur empirischen Ästhetik finden sich vier wesentliche Theorie-Gruppen: (1.) Es wird eine Präferenz für einfach zu verarbeitende Stimuli behauptet und z.B. mit der Processing Fluency begründet. (2.) Andere Ansätze erklären eine maximale Stimulation des Beobachters durch komplexe Objekte zum Ideal, was auch die ästhetische Erfahrung maximieren soll. (3.) Eine dritte Gruppe vermeidet die Probleme der ersten beiden, indem eine mittlere Komplexität als Präferenz behauptet wird. (4.) Und schließlich gibt es Ansätze, die auf eine integrierende Theorie letztlich verzichten und einzelne Phänomene bzw. Effekte katalogisieren. Eine Liste ungelöster Probleme formuliert die Minimal-Anforderungen an eine integrierende Theorie. Hiermit wird geprüft, ob bzw. inwieweit die Integrative Ästhetik von Schwarzfischer (2008 und 2014) jene Probleme lösen kann. Dieser Ansatz schlägt spezifische Re-Codierungs-Prozesse als basalen Mechanismus jeder ästhetischen Erfahrung vor. Hierzu wird ein Prozess-Modell entwickelt, welches die Integrative Ästhetik überprüfbar macht. Bei der Modellbildung werden manche Konzepte der Integrativen Ästhetik erweitert und andere präzisiert. Auch die Anwendungsmöglichkeiten werden durch das Modell vielfältiger, da es nicht nur als Erklärungsmodell, sondern zudem als Gestaltungsmodell einsetzbar ist. Insgesamt zeigt die Überprüfung der Integrativen Ästhetik und des Modells, dass die Gütekriterien in einem vielversprechenden Maß erfüllt werden. Die grundsätzliche Quantifizierbarkeit wird aufgezeigt sowie die Relevanz und die Anwendbarkeit für das Design nachgewiesen. Die Forschungsfrage kann somit als hinreichend beantwortet gelten: »Der elementare Mechanismus für eine ästhetische Erfahrung scheint ein Re-Codierungs-Prozess zu sein (der auf der Nutzung von In­varianzen basiert), welcher extensionale Daten zu intensionalen Gestalten transformiert, wobei eine Ressourcen-Entlastung stattfindet und der Gültigkeitsbereich der Codierung erweitert wird (was nach Jean Piaget als Dezentrierung bezeichnet wird) – was jeweils durch eine ‚Beobachtung zweiter Ordnung‘ festgestellt wird.« -/- Teil II »Transdisziplinäre Ästhetik im Dialog« -/- Kapitel II.A »Profane und heroische Beobachtungs-Experimente: Kunst-Ästhetik als methodisches Artefakt.« -/- Es reicht nicht, eine Liste mit vorgeblich ‚schönen Dingen‘ zu erstellen, um ‚das Schöne‘ zu verstehen. Piaget & Garcia (1989) unterscheiden drei Stufen in jedem Erkenntnis-Prozess: 1. isolierte Fakten, die unabhängig von einander analysiert werden; 2. konkrete Transformationen, durch welche diese Fakten mit einander verbunden sind; 3. eine Struktur, die alle denkbaren Fälle konstruierbar macht. Sie nannten diese drei Stufen ‚intra‘, ‚inter‘ und ‚trans‘. Dies kann auf das ‚höhere Erkenntnisvermögen‘ angewandt werden wie auf das ‚niedere‘. Wissenschaftlichkeit setzt nach Popper die Falsifizierbarkeit einer Theorie voraus – und damit Prognosefähigkeit. Prognosen müssen über den Bereich der bereits bekannten Fälle hinausgehen, und finden sich folglich primär in der Piaget-Phase ‚trans‘. Diese ist davon gekennzeichnet, dass es über die Gegenstände hinausgeht (‚trans-objekt‘). Zu häufig werden Artefakte nur beschrieben (‚intra-objekt‘) oder einzelne, zufällig bekannte Transformationen von Material in Artefakte bzw. von Artefakt in Verständnis aufgezählt (‚inter-objekt‘). Erst eine ‚Integrative Ästhetik‘ jenseits von zufälligen Semantiken, jenseits von sozialen Exklusions-Rhetoriken der Künstler und der ‚Leisure-Class-Eliten‘ (nach Veblen) und jenseits der Hierarchisierung von Wahrnehmungs-Modi kann den Anspruch einlösen (‚trans-objekt‘). Daraus folgen u.a. separierbare Semantiken spezifischem Maßstabs, die sich überhaupt erst dann z.B. als ‚konventionelle Kunst-Auffassung‘ beobachten lassen. Zentrierungen auf solche Semantiken können demnach „als Kunst missverstanden werden“ – obwohl sie keineswegs das allgemeine Prinzip repräsentieren, sondern stets nur Spezial­fall bleiben. -/- Kapitel II.B »Das Gehirn als Hypothesenmaschine – Ästhetische Prozesse als Selbst-Test im Beobachter-System.« -/- Die historische Trennung zwischen Techne, Poiesis und Aisthesis scheint nach der „konstruktivistischen Wende“ obsolet geworden zu sein. Jede Beobachtung kann als Handlung betrachtet werden und setzt adaptive Aspekte schon voraus. Jedoch fehlte bislang eine tragfähige konstruktivistische Ästhetik, deren Gültigkeitsbereich hinreichend groß ist: So ist die Beschränkung auf Kunst ebenso unnötig wie jene auf Kommunikation in sozialen Systemen (also auf „Kunst-Diskurse“) oder auf eine Produktions-, Werk- bzw. Rezeptions-Ästhetik. Die definitorische Auflösung des Kunst-Begriffes (z.B. bei Gernot Böhme) löst diese Schwierigkeiten nicht. Im Wesentlichen bleibt die resultierende phänomenologische Ästhetik eine Rezeptions-Ästhetik. Ähnlich begrenzt bleibt der Anwendungsbereich der Informations-Ästhetik mit kybernetischen Wurzeln. Auch die Einbettung in eine evolutionäre Ästhetik oder Neuroästhetik scheint problematisch. Daher muss eine „Integrative Ästhetik“ sehr unterschiedliche Sichtweisen in sich vereinigen. Inzwischen klassisch zu nennende kybernetische, systemtheoretische oder informations-ästhetische Ansätze verwenden meist die Logik einer Bottom-Up-Verarbeitung (Input-Processing-Output), wie sie auch die kognitive Psychologie der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts dominierte. Dass laut Schlicht et al. (2013: S.475) selbst im visuellen Kortex nur ca. 5% der neuronalen Verknüpfungen bottom-up verschaltet sind (und der „Rest” von 95% top-down oder lateral arbeitet), stellt auch die empirische Ästhetik vor Probleme. Dieser Beitrag stellt jene Integrative Ästhetik vor, welche diese Antworten auf diese Fragen zu geben vermag – und den genannten Beschränkungen nicht unterliegt. Der elementare Prozess einer ästhetischen Erfahrung besteht hier in einer Re-Codierung von extensionalen Daten zu intensionalen Codierungen. Durch die sparsamere Codierung stellt dies eine erhebliche neuronale Entlastung dar und erhöht zudem beträchtlich den Gültigkeitsbereich des Codierten. Vom Beobachter-System wird dies subjektiv als Dezentrierung (nach Piaget) positiv erlebt. Zentral ist, dass es nun mit einem einheitlichen methodischen Rahmen möglich ist, entweder bottom-up die Wahrnehmung zu analysieren oder top-down die subjektive Motivation (z.B. die erlebte Autonomie oder die erlebte Entlastung) des Akteurs zu thematisieren. Die Richtung der Prozesse wird umkehrbar. Zudem wird die konstruktivistische Wahrnehmungs-Handlung zu einer Art von Selbst-Test des Wahrnehmungs-Systems: „Funktioniere ich sensorisch und kognitiv überhaupt? Funktioniere ich korrekt, also konsistent? Und, funktioniere ich effizient?“ -/- Kapitel II.C »Beobachtende Systeme – Dezentrierende Gestalt-Integration als Basis einer Ästhetik des Alltags.« -/- An der ästhetischen Erfahrung irritiert traditionell, dass der Effekt bekannt ist, nicht aber die Ursachen und der funktionale Mechanismus. Dies leistete Mystifikationen Vorschub, was zu diversen metaphysischen Kunst-Ästhetiken führte: Der Künstler als Schamane oder Magier. Dieser Beitrag möchte dagegen einen systemsemiotischen Ansatz für eine empirische Ästhetik vorstellen. Die aktive Rolle des Beobachters im Wirkungszusammenhang soll den Blinden Fleck erhellen, aufgrund dessen sich das Phantom eines passiven Rezipienten und „quasi-aktiver“ ästhetischer Objekte so hartnäckig halten konnte. Ausgehend von gestalttheoretischen Überlegungen wird Gestalt als implizite, algorithmische Codierung begriffen. Neuere empirische Ergebnisse der „Neuro-Ökonomie“ postulieren einen Effekt der „kortikalen Entlastung“ (bei der Forschung nach der Wirkung von Marken). Der hier vertretene Ansatz verknüpft nun beide Aspekte und glaubt, daraus eine konsistente Theorie für die empirische Ästhetik des Alltags entwickeln zu können. Es muss jedoch ein weiterer Aspekt hinzu genommen werden, den Piaget „Dezentrierung“ nennt. Ästhetische Erfahrung wird dann definierbar als das Erlebnis eines Umcodierungs-Prozesses – oder genauer: als das Erlebnis einer dezentrierenden Gestalt-Integration durch das beobachtende System. Sowohl beobachtende Systeme als auch Gestalt-Integrationen sind in unserem Ansatz als multiple zu denken. Eine semiotische Differenzierung ist nun entscheidend: Die herkömmliche Informations-Ästhetik thematisierte nur die syntaktischen Aspekte des Stimulus, ohne den Beobachter in seiner aktiven Rolle zu begreifen. Gestalt-Integrationen samt deren dezentrierender Wirkung sind jedoch auch in semantischer und pragmatischer Hinsicht zu finden. Diese werden im Beitrag dargelegt. Denn erst so kann die Vielschichtigkeit ästhetischer Erfahrungen erklärt werden, wo z.B. syntaktische und pragmatische Aspekte konkurrieren können. Auch vordergründig destruktive Akte und Artefakte sind dann als Gestalt-Integrationen anderer Dimensionen oder differierender Bezugssysteme begreifbar. (Dies streift etwa auch Fragen der Ressourcen-Allokation.) Zudem muss die Kontingenz von Beobachtungs-Maßstäben, Wahrnehmungs-Modi, Struktur-Determinanten (des beobachtenden Systems) und kultur-semiotischen Prägungen mit in Betracht gezogen werden. Erst hierdurch wird der Möglichkeitsraum potenzieller Gestalt-Integrationen (der eigentlich aus einem präsentationalen und einem repräsentationalen Raum besteht) prinzipiell beschreibbar. Wenn auch die Probleme bzw. Grenzen der praktischen Durchführbarkeit entsprechender Analysen nicht unterschlagen werden sollen: Die Möglichkeiten entsprechen gut den Erfordernissen zur ästhetischen Analyse des menschlichen Alltages – schließen die Lebenswelten von nicht-anthropozentrischen Seinsformen aber wohl methodisch aus. Dieser Beitrag möchte ich primär eine empirische Ästhetik zur Diskussion stellen, die mir als Rahmen für die weitere Forschung sehr leistungsfähig erscheint. Und doch ist nichts weniger als ein theoriebildender Ansatz das Vorhaben. Eine der Konsequenzen aus diesem Ansatz ist die These, dass es sich bei Kants Diktum vom „interesselosen Wohlgefallen“ zwar für das Individuum um ein Apriori handelt, bei der Gattung Mensch jedoch evolutionär um ein Aposteriori. (shrink)

Contemporary philosopher Jacques Rancière has been criticized for a conception of “politics” that is insensitive to the diminished agency of the corporeally oppressed. In a recent article, Dana Mills locates a solution to this alleged problem in Rancière most recent book translated into English, Aisthesis, in its chapter on Mallarmé’s writings on modern dancer Loïe Fuller. My first section argues that Mills’ reading exacerbates an “homonymy” (Rancière’s term) in Rancière’s use of the word “inscription,” which means for him either a (...) vicious literal carving on living bodies, or else a virtuous figurative carving on nonliving bodies. The former, I call “bodily carving,” while the latter is the “corporeal writing” that I take Mallarmé to affirm in Fuller. My second section observes that Rancière himself misses a homonymy in Mallarmé on Fuller, namely “dance,” meaning either “ballet” or dance in general (including Fuller’s). My third section concludes that Rancière’s chapter on Fuller includes another “dance” homonymy, meaning either “concert dance” or what I term a new “art of meta-movement” in Fuller. The latter art, I conclude, is equivalent to Mallarmé’s “corporeal writing,” and can be understood as a new form of dance education, in pursuit of a new utopia of worker-dancers. (shrink)

Wissen wir, wer oder was unseren Lebensgang bestimmt? Wissen wir überhaupt, was in uns und ausserhalb von uns abläuft? Das einzig Gewisse ist unser Tod, doch was hilft die Gewissheit unseres Todes, wenn ungewiss bleibt, wann er kommt? Unsere Bedürfnisse kennen wir, aber wo sind die Grenzen der Befriedigung? Wenn unsicher geworden ist, wer oder was das bestimmt, was faktisch geschieht, wenn die Welt uns körperlich und seelisch bedrängt und die einzige Gewissheit in der Zukunft unser Tod ist, wenn uns (...) unsere Bedürfnisse und die Grenzen ihrer Befriedigung unklar geworden sind, dann hilft nichts mehr als das Nachdenken – das Nachdenken über unsere Natur und ihren Platz in der Welt, über die Hierarchie unserer Bedürfnisse, darüber, wie wir das Gelingen unseres Lebens mit Vernunft und Gerechtigkeit in Einklang bringen. Kurz, es hilft nichts als der Epikureismus. ********** Do we know who or what determines the course of our lives? Do we even know what is going on inside and outside of us? The only certain thing is our death, but what good is the certainty of our death if it remains uncertain when it will come? We know our needs, but where are the limits to their fulfilment? When it has become uncertain who or what determines what actually happens, when the world oppresses us physically and emotionally and the only certainty in the future is our death, when our needs and the limits of their fulfilment have become unclear to us, then nothing helps more than reflection - reflection on our nature and its place in the world, thinking about the hierarchy of our needs, about how we can harmonise the success of our lives with reason and justice. In short, nothing helps but Epicureanism. (shrink)

This paper explores the tensions and potential contradictions in the “self-construction” of habits and preferences, arguing that preferences and tastes not only arise from habit formation but also contribute to the development of new habits. Changing tastes necessitates self-reflection on our current preferences and habits, which then become subjects of evaluation, transformation, and alteration from a higher-order perspective. It will be argued that modifying the structure of one’s habits and preferences requires various forms of (self)-distancing: these include the impossibility of (...) immediate transformation, recognizing the gradual nature of change, and acknowledging the limits of direct intentionality and control in the transformative process. These points ultimately reveal the inherent indeterminacy and openness of any self-cultivation endeavor involving preference-based habits, highlighting its balance between controllability and the potential for its loss. (shrink)

As artforms, film and street art seem incompatible. Contra this incompatibility, I investigate their combination: cinematic street art. Two promising cases are the artworks MUTO and Repopulate, but I argue neither is suitable. MUTO only counts if I accept the transparency thesis, the claim that photographs allow us to literally see their depicta. Repopulate only counts if we reject Noel Carroll’s requirement that a cinematic performance token isn’t itself an artwork. However, these imperfect cases demonstrate what is required in order (...) to have cinematic street art: the artwork is a 1) aconsensual artwork that 2) does not merely use street art as imagery or 3) merely use the street as a performance space. I introduce two hypothetical artworks inspired by this approach and discuss their merits, as well as their pitfalls relevant to my own desiderata. As such, this article serves as the foment for broader discussion within the philosophy of street art. (shrink)

In the 13th century, the availability of Aristotle’s treatises of natural philosophy encouraged forms of integration between libri naturales and sapientia biblica. Instead of diving into allegory and symbolism, several Dominican exegetes began to explore more realistic approaches. The foremost figure is Albert the Great. In his biblical commentaries, philosophy of nature and theology join forces as complementary forms of knowledge. By focusing on Albert’s De vegetabilibus, this paper is aimed at analyzing in which ways the Dominican master reuses his (...) naturalistic and, especially, botanical knowledge as an exegetical tool to deepen both the historical and the allegorical sense, realism and spiritual interpretation. (shrink)

What happens when painting emancipates itself from all physical mediums, the piece of art disappears from the exposition site and it becomes immaterial, indiscernible within its surrounding space? What type of esthetic experience and embodied understanding of art is possible under these programmed and produced conditions, maybe dissimulated, and finally enunciated and affirmed next to and in place of that which presents itself with the title of art masterpiece? What type of description, definition and interpretation is necessary? What type of (...) phenomenology, pragmatic, rhetoric, and ontology is called upon? What type of percepts, of effects and affects, of appearance and apparatus, are put into play in this esthetic relation lacking an artistic object? When there is nothing to see and to touch, what living forms, what beliefs, what qualities are dealt with? Until this day, after more than 50 years, the “Exposition of Void” of Yves Klein doesn’t quit asking these and other questions on aesthetics and to the history of art. (shrink)

Arthur Danto asserts that Maya Lin’s Vietnam Veterans Memorial in Washington embodies the rhetoric paradigm of internal beauty’s meaning. However, the relationship to the Kant’s pulchritudo adhaerens is not an easy one: Danto’s recalls against the self-referent formalism of Greenberg’s Modernism and his tacit issues about the environmental non-monumentality of Richard Serra’s Minimalism, are, most importantly, haunted by the unquestioned spectral logic of the image embodiment. The beholders’ reflecting shape on the funeral Wall is, finally, both a pathetic index and (...) a medial incarnation–e.g. a Verkörperung–of the underworld. (shrink)

In the ontology of the artwork and its regimes of existence, Gérard Genette gives but little room to the theory and practice of restoration. However, restoration is seen in relation to the identity of the work itself and to its material and pragmatic temporality and anachronism. In the wake of Nelson Goodman, it is also understood as a form of actuation and implementaion of the aesthetic experience. Starting from these premises, the present essay intends to examine the relationship between Genette’s (...) and Daniel Arasse’s reflections on restoration and the history of art, highlighting their similarities and differences with Cesare Brandi’s theory of restoration and, therefore, pointing out their as yet undischarged debts to Sartre’s phenomenology of image. (shrink)

During the Fifties and the Early Sixties Hans Jonas developed a theory of man based on a series of concepts as separation of form from matter, image and symbol. By reflecting on these themes, Jonas seems to refer to the aesthetic abilities man embodies as the essence of human life. In this article I try to analyse Jonas’ thoughts on man and to determine to what extent it is possible to consider his theory as an aesthetic anthropology. Eventually, I discuss (...) what Aesthetics may win by directing its attention to this author. (shrink)

In this paper I provide an ecological, Schelerian-based description of the aesthetic experience that, without being exhaustive, may account for its complexity, perspective character and stratifications. Aesthetic enjoyment, aesthetic object and the creative process of the artistic type are all specific and necessary moments of an experience – an aesthetic experience – shared by different experiential “individuals”, who also contribute to its formation process. The content of this experience grows and develops in conformity with its own laws, like a living (...) being so to speak, able, as such, to turn its own gaze to the others’ gaze at the same time as they turn to it. In other words, I will deal with the dynamics of the artist’s interactions with the spectator, of those of the spectator with the artist and of those of both with the work of art, which, created by the artist, or rather, “brought to light” by the artist, becomes an object– a quasi-sujet in Dufrennian terms – unique to the spectator. In this context, I will try to rehabilitate the axiological virtues of beauty, not in the sense of a metaphysics of beauty, but in a sense nearer to our experiences of “seeing something in a new light”. (shrink)

Utilizing the metaphor of the palimpsest, this paper looks at layering processes at work in the natural world and human perceptions of it, paying particular attention to the manifestations of the past visible in constructions in and of the landscape. History is made of constant reformations, in which pieces of the past make up the present. The palimpsest offers a useful tool for discussing a trans-temporal landscape. The layers of landscape construction go beyond the literal geological construction, encompassing human pasts (...) and presents as well. Engaging the palimpsestuous layers at work in physical and textual landscape construction allows us to place human endeavours into more expansive notions of temporality. (shrink)

Can music express the world-view of a certain composer, or of a certain historical era – and how? In 19th Century, the wide-ranging philosophical implications of this question raised an intriguing quarrel between the formalists’ scepticism as to this point and their various opponents. Starting from the case study of the German psychologist and philosopher of music Georg Anschütz, it is argued that allowing for a systematic link of music and the world-views easily turns into the far more demanding claim (...) that music is the best and perhaps the only way to express them properly. In turn, this attitude sits well with the tendency to think of music hearing as a disembodied process, hinting at the deep dimension of synesthesia rather than to that of music as a cultural phenomenon, in Erich Hornbostel’s sense. (shrink)

The idea that Derrida kept silent on Marx before the publication of Spectres de Marx, in 1993, has become a commonplace in Derrida studies and in the history of Marxism and French 20th century political thought. This idea has often been accompanied by a certain representation of the relationship between deconstruction and dialectical materialism, and fed the legend of deconstruction’s «apoliticism» – at least before what some have called Derrida’s «ethicopolitical turn», usually dated in the early 1990s. Against this narrative, (...) this essay analyzes Derrida’s notorious «silence on Marx» before Specters of Marx from the perspective of the archives. Archival research transforms the narrative: Derrida’s «silence on Marx» was only «relative». Beyond the scene of publications, archives reveal another scene: multiple engagements with Marx and Marxist thought, marked and remarked in many archival documents – more particularly in a series of early seminar notes from the 1960s and 1970s. How does this archival scene transform our interpretation of Derrida’s «silence»? (shrink)

[ENG] On the basis of a reading of Heidegger's Der Ursprung des Kunstwerkes, the problematic of understanding the relational concepts of "earth" and "world" is developed. The proposal here is situated from an existential approach that links the earth with the concepts of sublimity and world, understood on the basis of an opening within imagination. To articulate these ideas, this paper fundamentally draws from arguments by Kant, Nancy and Arendt. The proposal here is that Heidegger seeks to explain how the (...) tear caused by the earth in the work of art would sublimate the imagination in an openness towards the world. -/- [ESP] A partir de una lectura del artículo Der Ursprung des Kunstwerkes escrito por Heidegger, se desarrolla la problemática de comprender los conceptos relaciónales de tierra y mundo. La propuesta aquí se sitúa desde una perspectiva existencial que liga la tierra con los conceptos de sublimidad y el mundo, comprendidos desde una apertura en la imaginación. Para articular estas ideas, el presente escrito se apoya fundamentalmente en argumentaciones de Kant, Nancy y Arendt. Lo aquí propuesto es que Heidegger buscaría dar cuenta del modo en que la desgarradura causada por la tierra en la obra de arte sublimaría la imaginación en una apertura hacia el mundo. (shrink)

This contribution proposes how beholders may internally process unfinished works of art. It does so by considering five of Michelangelo Buonarroti’s interrupted sculptures and pointing out their empathic and imaginative potential. The beholder focused on the surface, I propose, is inclined to mentally simulate the artist’s gesture that drafted the sculptures through the visible graphic signs of the chisels. This inner simulation takes place within the activation of various brain networks, located in the brain’s motor system. Renaissance authors associated the (...) observation of the unfinished to learning and, as this article shows, this assumption seems to find confirmation in recent neuroscientific studies on mirror neurons and imitation learning. In this way, the empathic engagement established between the beholder and the work of art observed – as well as the role played by embodied simulation and imagination in this kind of visual perception – clarifies how the incompleteness can also have that pedagogical function recognised by Giorgio Vasari and Benvenuto Cellini. (shrink)

Abstract: The purpose of this article is to highlight the aesthetic layout created by the digital device in the ontological autonomy of the digital representation. As a result, in the digital screen, as a simulated immersive area, the object is alienated through the hyper-representation of a hyper-reproduction: a hyper-reproduction which causes the data and its image to be the monadic support that multiplies it in always livable creases by interactivity. A digitally-represented world would become the ultimate alienation of the modern (...) representational area in terms of excess of closeness. Thus, this question would cause the simulacral strategy of post-modernity through its digitization. -/- Resumen: Este artículo se propone evidenciar, en la autonomía ontológica de la representación digital, la disposición estética abierta por el dispositivo digital. Como consecuencia, en la pantalla digital, en cuanto super cie inmersiva simu- lacral, se logra enajenar el objeto por medio de la hiper-representación de una hiper-reproductibilidad. Una hiper-reproductibilidad que hace del data y su «ima- gen» el sustento monádico que lo multiplica en pliegues siempre habitables por la interactividad. El mundo representado digitalmente se haría «espectáculo» de la enajenación de nitiva de la super cie representacional moderna en cuanto exceso de cercanía. Cuestión que provocaría la estrategia simulacral de la modernidad en lo postmoderno por medio de su digitalización. (shrink)